HÉLIO OITICICA

 

“A obra nasce de apenas um toque na matéria. Quero que a matéria de que é feita minha obra permaneça tal como é; o que a transforma em expressão é nada mais que um sopro: um sopro interior, de plenitude cósmica. Fora disso não há obra. Basta um toque, nada mais”

Carioca anarquista, Oiticica nasceu no Rio de janeiro em 26 de Julho de 1937 e faleceu nesta mesma cidade no dia 22 de março de 1980 após sofrer um AVC.

Foi pintor, escultor, artista plástico e performático.

Através de sua obra e do processo de comunicação que elas provocavam no público, podemos dizer que ele tinha como objetivo criar uma integração de sentidos e de conceitos. Sua obra era sempre uma experiência viva. Eram inseridas nas realidades cotidianas dos espectadores. Sua máxima tentativa de integração do público com a sua arte foi quando inseriu a Comunidade da Mangueira em sua obra quando seus parangolés foram “vestidos” por moradores da Comunidade e se apresentaram numa exposição no Rio de Janeiro no Museu de Arte Moderna no ano de 1965. Nesta ocasião ele foi expulso do MAM. Eram como quadros vivos, andantes, interagindo com o ambiente, com os espectadores, com as relações humanas. Seus painéis que eram pendurados em fios de nylon e pintados com cores fortes também permitiam diversas leituras da obra pois o espectador tinha várias “visões” da obra de arte.

Seu avô José Oiticica era filólogo e anarquista, influenciou sua formação. Por opção familiar, não frequentou escolas na infância. Recebeu educação formal a partir de 1947, quando seu pai, o fotógrafo e docente da Faculdade de Medicina e do Museu Nacional da Universidade do Brasil, José Oiticica Filho, ganhou uma bolsa da Fundação Guggenheim e a família se transferiu para Washington, nos Estados Unidos.

Ao voltar para o Brasil, Hélio Oiticica iniciou, em 1954, estudos de pintura com Ivan Serpa no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ. Essas aulas foram essenciais porque possibilitaram a Oiticica o contato com materiais variados (plástico, madeira, vidro, tecido, papel....) dando-lhe total liberdade de criação.

A sua obra é caracterizada pelos seus “Parangolés”. Estes foram criados como estandartes ou bandeiras coloridas, com poemas em tinta sobre o tecido, a serem vestidas ou carregadas pelo público que participava e ainda participa de suas exposições. Era como uma forma de tornar a arte ainda mais viva. A sua PINTURA AMBULANTE ou ESCULTURA MÓVEL.

Foi também Hélio Oiticica que fez o penetrável Tropicália, que não só inspirou o nome, mas também ajudou a consolidar a estética do movimento tropicalista na música brasileira, (Gal Costa, Caetano, Gilberto Gil....) nos anos 1960 e 1970.

Em 1960 criou os primeiros NÚCLEOS, também denominados MANIFESTAÇÕES AMBIENTAIS e PENETRÁVEIS, placas de madeira pintadas com cores quentes penduradas no teto por fios de nylon. Neles, tanto o deslocamento do espectador quanto a movimentação das placas passam a integrar a experiência.

Em 1961 Hélio cria o seu primeiro LABIRINTO. Outro exemplo de suas criações que conquistaram não só o Brasil mas também o mundo.

Outras de suas criações são os bólides, recipientes cheios de pigmento que trazem a cidade para uma mostra de arte. Um conjunto tem água da Praia de Ipanema e o asfalto da Avenida Presidente Vargas, "que espreitam o espaço" e esperando o público para detonar experiências estéticas.

Em 1959, fundou o Grupo Neoconcreto, ao lado de artistas como Amilcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape e Franz Weissmann. Transitou entre os morros do Rio de Janeiro e os Estados Unidos, onde morou de 1948 a 1950, época em que se mudou com a família, e a partir de 1970, quando foi para Nova York.

Oiticica também integrou a representação do Brasil na Exposição Internacional de Arte Concreta, realizada em 1960, em Zurique, na Suíça, e esteve presente nas coletivas de vanguarda Opinião 65 e Opinião 66, Nova Objetividade Brasileira e Vanguarda Brasileira, realizadas entre 1965 e 1967, no Rio de Janeiro e em Belo Horizonte. O artista também participou das bienais de São Paulo (1957, 1959 e 1965) e da Bahia (1966).

Em 16 de outubro de 2009, um incêndio destruiu cerca de duas mil obras do artista plástico - aproximadamente 90% do acervo (avaliado em 200 milhões de dólares), que era mantido na residência do seu irmão, no bairro do Jardim Botânico, no Rio de Janeiro. Além de quadros e dos famosos "parangolés", no local também eram guardados documentários e livros sobre o artista.

Uma grande parte dos documentos de Hélio Oiticica perdidos no incêndio foram preservados pela digitalização realizada pelo Programa Hélio Oiticica, coordenado pela curadora e crítica de arte Lisette Lagnado e desenvolvido em uma parceria entre o Instituto Itaú Cultural e o Projeto Hélio Oiticica.

Sua produção se destaca pelo caráter experimental e inovador. Seus experimentos pressupõem uma ativa participação do público, são, em grande parte, acompanhados de elaborações teóricas, comumente com a presença de textos, comentários e poemas.

Em 1957, inicia a série de guaches sobre papel denominada, nos anos 70, Metaesquemas. Segundo Oiticica, essas pinturas geométricas são importantes por já apresentar o conflito entre o espaço pictórico e o espaço extra-pictórico.

O PROJETO ÉDEN é composto de Tendas, Bóloides e Parangolés como proposições abertas para a participação e vivências individuais e coletivas. É apresentado em Londres em 1969, na Whitechapel Gallery. Considerada sua maior exposição em vida, é organizada pelo crítico inglês Guy Brett e apelidade de Whitechapel Experience. Era uma utopia de vida em comunidade e aí surge a proposição CRELAZER, ligada à percepção criativa do lazer não repressivo e à valorização do ócio.

Em 1970 no MOMA de New York Hélio criou a exposição INFORMATION, onde desenvolveu a ideia de NINHOS como células em multiplicação ligadas ao crescimento da comunidade.

Hélio voltou ao Brasil em 1978 e participou de alguns eventos coletivos como: Mitos Vadios, organizado pelo artista plástico Ivald Granato. No ano seguinte organiza o acontecimento poético-urbano CAJU-KLEEMANIA, proposta para participação coletiva no bairro do Caju no Rio de janeiro.

Labirinto – Hélio Oiticica

Parangolé, Hélio Oiticica

Ninho, Hélio Oiticica

CASA ARRUMADA À MODA DRUMMONDIANA

Carlos Drummond de Andrade

"Casa arrumada é assim:

Um lugar organizado, limpo, com espaço livre pra circulação e uma boa entrada de luz.

Mas casa, pra mim, tem que ser casa e não um centro cirúrgico, um cenário de novela.

Tem gente que gasta muito tempo limpando, esterilizando, ajeitando os móveis, afofando as almofadas… Não, eu prefiro viver numa casa onde eu bato o olho e percebo logo: Aqui tem vida…

Casa com vida, pra mim, é aquela em que os livros saem das prateleiras e os enfeites brincam de trocar de lugar.

Casa com vida tem fogão gasto pelo uso, pelo abuso das refeições fartas, que chamam todo mundo pra mesa da cozinha.Sofá sem mancha? Tapete sem fio puxado? Mesa sem marca de copo? Tá na cara que é casa sem festa.

E se o piso não tem arranhão, é porque ali ninguém dança. Casa com vida, pra mim, tem banheiro com vapor perfumado no meio da tarde.

Tem gaveta de entulho, daquelas que a gente guarda barbante, passaporte e vela de aniversário, tudo junto…

Casa com vida é aquela em que a gente entra e se sente bem-vinda.

A que está sempre pronta pros amigos, filhos…

Netos, pros vizinhos… E nos quartos, se possível, tem lençóis revirados por gente que brinca ou namora a qualquer hora do dia.

Casa com vida é aquela que a gente arruma pra ficar com a cara da gente. Arrume a sua casa todos os dias…

Mas arrume de um jeito que lhe sobre tempo pra viver nela… E reconhecer nela o seu lugar."



Quero reconhecer a minha casa como o MEU LUGAR.

O BARROCO BRASILEIRO

Complexo do Convento de Santo Antônio - Rio de Janeiro - Brasil - Ordem dos Franciscanos.

Este foi o primeiro imóvel construído em alvenaria na cidade do Rio de Janeiro.

Em 1607 foi-lhes concedida a posse de um morro, atualmente conhecido como Morro de Santo Antônio, no qual começaram a construir o convento em 1608. O primeiro arquiteto foi o frei Francisco dos Santos, mas vários outros religiosos-arquitetos franciscanos interferiram na obra. A primeira missa foi rezada em 1615, com a igreja do convento ainda em construção, e só em 1620 foi terminado o conjunto.

Minha irmã atualmente trabalha neste local, na obra de restauro do complexo. Esta obra é realizada pela empresa CEPAC. Tem o apoio e patrocínio da PETROBRAS, ICATU, ÁFRICA (Agência do Nizan Guanaes), BNDES.......
HISTÓRICO DO BARROCO BRASILEIRO

O estilo barroco chega ao Brasil pelas mãos dos colonizadores, sobretudo portugueses, leigos e religiosos. Seu desenvolvimento pleno se dá no século XVIII, 100 anos após o surgimento do Barroco na Europa, estendendo-se até as duas primeiras décadas do século XIX. Como estilo, constitui um amálgama de diversas tendências barrocas, tanto portuguesas quanto francesas, italianas e espanholas. Tal mistura é acentuada nas oficinas laicas, multiplicadas no decorrer do século, em que mestres portugueses se unem aos filhos de europeus nascidos no Brasil e seus descendentes caboclos e mulatos para realizar algumas das mais belas obras do barroco brasileiro. Pode-se dizer que o amálgama de elementos populares e eruditos produzido nas confrarias artesanais ajuda a rejuvenescer entre nós diversos estilos, ressuscitando, por exemplo, formas do gótico tardio alemão na obra de Aleijadinho (1730 - 1814). O movimento atinge o auge artístico a partir de 1760, principalmente com a variação rococó do barroco mineiro.

 Capela do Convento de Santo Antônio - RJ

Durante o século XVII a Igreja teve um importante papel como mecenas na arte colonial. As diversas ordens religiosas (beneditinos, carmelitas, franciscanos e jesuítas) que se instalam no Brasil desde meados do século XVI desenvolvem uma arquitetura religiosa sóbria e muitas vezes monumental, com fachadas e plantas retilíneas de grande simplicidade ornamental, bem ao gosto maneirista europeu. É somente quando as associações leigas (confrarias, irmandades e ordens terceiras) tomam a dianteira no patrocínio da produção artística no século XVIII, momento em que as ordens religiosas vêem seu poder enfraquecido, que o barroco se frutifica em escolas regionais, sobretudo no Nordeste e Sudeste do país. Contudo a primeira manifestação de traços barrocos, se bem que misturado ao estilo gótico e românico, pode ser encontrada na arte missionária dos Sete Povos das Missões na região da Bacia do Prata. Ali se desenvolveu, durante um século e meio, um processo de síntese artística pelas mãos dos índios guaranis com base em modelos europeus ensinados pelos padres missionários. As construções desses povos foram quase totalmente destruídas. As ruínas mais importantes são as da missão de São Miguel, no Estado do Rio Grande do Sul.

Ruínas da Missões - RS

As primeiras manifestações do espírito barroco no resto do país estão presentes em fachadas e frontões, mas principalmente na decoração de algumas igrejas, também em meados do século XVII. A talha barroca dourada em ouro, de estilo português, espalha-se pela Igreja e Mosteiro de São Bento do Rio de Janeiro, construída entre 1633 e 1691. Os motivos folheares, a multidão de anjinhos e pássaros, a figura dinâmica da Virgem no retábulo-mor, projetam um ambiente barroco no interior de uma arquitetura clássica. A vegetação barroca é introduzida na Bahia no fim do séc. XVII na decoração, por exemplo, da antiga Igreja dos Jesuítas, atual Igreja Catedral Basílica, cuja construção da capela-mor, com seus cachos de uva, pássaros, flores tropicais e anjos-meninos, data de 1665-1670. No Recife destaca-se a chamada Capela Dourada ou Capela dos Noviços da Ordem Terceira de São Francisco de Assis, idealizada no apogeu econômico de Pernambuco, em 1696, e finalizada em 1724.

Capela Dourada - Detalhe - Conv. Santo Antônio

Entre os anos de 1700 e 1730 uma vegetação de pedra esculpida tende a se espalhar nas fachadas, como imitação dos retábulos, seguindo a lógica da ornamentação barroca. Em 1703 o dinamismo conquista o exterior pela primeira vez de forma ostensiva na fachada em estilo plateresco da Igreja da Ordem Terceira de São Francisco da Penitência, em Salvador. No entanto, vale notar que tal exuberância representa uma exceção no barroco brasileiro, pois mesmo em seu período áureo as igrejas barrocas nacionais, tal como as portuguesas, são marcadas por um contraste entre a relativa simplicidade de seus exteriores e as ricas decorações interiores, simbolizando dessa forma a virtude do recolhimento, requisito necessário à alma cristã. Esses primeiros 30 anos marcam a difusão no Brasil do estilo "nacional português", sem grandes variações nas diversas regiões .

Surge então um novo ciclo de desenvolvimento do barroco entre meados de 1730 e 1760, com predominância do estilo português "joanino", cuja origem remonta ao barroco romano. Há uma significativa barroquização da arquitetura com a construção de naves poligonais e plantas em elipses entrelaçadas. Destaca-se no período, com ressonâncias posteriores, a atuação dos artistas portugueses Manuel de Brito e Francisco Xavier de Brito.

Pálacio do Raio, São Lázaro - PT

Nota-se que, em meados do século XVIII, a perda da força econômica e política inicia um período de certa estagnação no Nordeste, com exceção de Pernambuco, que conhece o estilo rococó na segunda metade do século. O foco volta-se para o Rio de Janeiro, transformada em capital da colônia em 1763, e a região de Minas Gerais, desenvolvida à custa da descoberta de minas de ouro (1695) e diamante (ca.1730). Não por acaso, dois dos maiores artistas barrocos brasileiros trabalham exatamente nesse período: Mestre Valentim (ca.1745 - 1813), no Rio de Janeiro, e o Aleijadinho, em Ouro Preto e adjacências.

O Cristo, Aleijadinho, MG

É na suavidade do estilo rococó mineiro (a partir de 1760) que se encontra a expressão mais original do barroco brasileiro. A extrema religiosidade popular, sob o patrocínio exclusivo das associações laicas, se expressa em um espírito contido e elegante, gerando templos harmônicos e dinâmicos de arquitetura em planos circulares, com graciosa decoração em pedra-sabão. As construções monumentais são definitivamente substituídas por templos intimistas de dimensões singelas e decoração requintada, mais apropriados à espiritualidade e às condições materiais do povo da região.

Um dos exemplos mais bem-acabados desse estilo pode ser contemplado na Igreja da Ordem Terceira de São Francisco de Assis da Penitência (1767), cujo risco, frontispício, retábulos laterais e do altar-mor, púlpitos e lavabo são de autoria de Aleijadinho. A pintura ilusionista do teto da nave (1802) é de um dos mais talentosos pintores barrocos, Manoel da Costa Athaide (1762 - 1830). Destaca-se ainda a parceria dos dois artistas nas esculturas de madeira policromada (1796-1799) representando os Passos da Paixão de Cristo para o Santuário do Bom Jesus dos Matozinhos, em Congonhas do Campo. No adro desse santuário, Aleijadinho deixa o testemunho mais eloqüente de seu talento artístico: seus 12 Profetas de pedra-sabão (1800-1805).

Matriz de Bom Jesus do Matozinhos, Congonhas do Campo - MG, Vista parcial dos Profetas de Aleijadinho.

No Rio de Janeiro a presença lusitana se faz sentir mais fortemente. Distingue-se das outras cidades pela tendência à sobriedade neoclássica, reforçada pelas influências no Brasil da reforma pombalina. Na arte civil (por exemplo: Passeio Público, de 1779-1785 e Chafariz da Pirâmide, de 1789) e sacra de Mestre Valentim o perfeito equilíbrio entre os postulados racionais do classicismo, a dinâmica e grandiloqüência do barroco e um certo sentido de preciosismo e delicadeza da estética rococó, sintetiza brilhantemente o espírito da arte carioca da segunda metade do século XVIII.

Jacarés de Bronze, Mestre Valentim, Rio de Janeiro - Passeio Público